Impresionismo

Inicios

El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino. 

Los impresionistas, en cambio, eligieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Uno de sus primeros objetivos fue captar una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. La luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra.

Caracteristicas 

Se centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los contornos. Ven colores que conforman cosas, y esto es lo que plasman, formas compuestas por colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz.

Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios (azul, rojo y amarillo) y los complementarios (naranja, verde y violeta). Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas.

• Impacto del ferrocarril: Por vez primera se experimentó el concepto de "velocidad". La retina captaba así una "realidad distorsionada".
• Impacto de la fotografía: La fotografía demostró que lo que determina la visión es el color y no el dibujo, con ello se rompen planteamientos clasicistas anteriores. La fotografía trajo consigo el concepto de la instantánea, que será tan utilizado por Degas para sus composiciones de bailarinas.


• Impacto del óleo en tubo: se generaliza a mitad del XIX. Trae consigo una consecuencia muy revolucionaria, ya que el artista no tiene porque elaborar cuidadosamente los pigmentos, de ahí que el pintor salga del taller para pintar al aire libre.


• Impacto de la Naturaleza y de la Luz: el estar al aire libre revela una nueva realidad, una realidad llena de luz, gracias a cuya proyección es posible el color.


• Impacto del Tiempo: es la era de los relojes, el tiempo es un tema que obsesiona al hombre y en particular al pintor. La técnica de los nuevos pintores necesita de una pincelada rápida y hábil.

Obras y pintores

El término impresionistas les fue impuesto de modo peyorativo por el crítico Louis Leroy al ver la obra de Monet Impresión atardecer o Impresión sol naciente en la exposición de 1874. Lo habitual era exponer en el Salón Oficial, pero los nuevos artistas, conocidos como "Los Rechazados", tenían que buscar lugares alternativos donde les permitieran exhibir sus obras.

Edouard Manet 23 enero 1832 hasta 30 abril 1883) fue un pintor francés.Uno de los primeros artistas del siglo XIX para abordar temas de la vida moderna, él era una figura clave en la transición del realismo al impresionismo. Sus obras maestras tempranas el Desayuno sobre la hierba y Olympia engendraron gran controversia, y sirvieron como puntos de reunión para los pintores jovenes que crearían impresionismo-hoy éstos se consideran las pinturas de las cuencas hidrográficas que marcan la génesis del arte moderno.

Olimpia, para su desnudo no necesitó diosas ni musas como en el Renacimiento y en el Barroco, sino que representaba el desnudo de una prostituta, una mujer de la vida contemporánea. Para captar la realidad y la fugacidad utilizó la pincelada rápida y empastada, rasgo que identificará al Impresionismo. Por ello podría decirse que Manet fue su precursor. 

Título:	Olympia 1863
Ubicación:	Musée D'Orsay, París, Francia
Año:	1863
Dimensiones:	74.80 pulgadas de ancho x 51.18 pulgadas de alto
Orientación:	Paisaje

Edgar Degas (19 julio 1834 hasta 27 septiembre 1917), nacido Hilaire-Germain-Edgar Degas, fue un artista francés famoso por su trabajo en la pintura, escultura, grabado y dibujo. Es considerado como uno de los fundadores del impresionismo aunque él rechazara el término, y prefirió ser llamado un realista. Un proyectista magnífico, lo identifican especialmente con el tema de la danza, y sobre mitad de sus trabajos representa a bailarines. Éstos exhiben su maestría en la pintura del movimiento, al igual que sus temas del hipódromo y desnudos femeninos. Sus retratos son considerados entre los mejores de la historia del arte.

Título:	La clase de danza 1873-1876
Pintado por:	Edgar Degas.
Ubicación:	Musée D'Orsay, París, Francia
Dimensiones:	29.53 pulgadas de ancho x 33.47 pulgadas de alto
Orientación:	Retrato

Oscar Claude Monet (1840-1926) es un famoso pintor francés y uno de los fundadores del movimiento del impresionismo junto con sus amigos Renoir, Sisley y Bazille.

Monet rechazó el enfoque tradicional de la pintura de paisaje y en lugar de copiar los viejos maestros que había estado aprendiendo de sus amigos y de la propia naturaleza. Monet observó variaciones de color y de luz causados ​​por las variaciones diarias o estacionales.

Claude Monet nació el 14 de noviembre 1840 en el quinto piso de 45 rue Laffitte, en el noveno distrito de París. Él era el segundo hijo de Claude Adolphe Monet y Louise-Justine Aubree. En el primero de abril de 1851, Monet entró en la escuela secundaria de Havre de las artes. Se hizo conocido a nivel local para este caricaturas de carbón, que se vendería por entre diez y veinte francos. Monet también llevó a cabo sus primeras lecciones de dibujo de Jacques-Francois Ochard, un antiguo alumno de Jacques-Louis David. En las playas de Normandía en aproximadamente 1856/1857 que cumple con su compañero artista Eugéne Boudin quien se convirtió en su mentor y le enseñó a utilizar las pinturas de aceite. Boudin enseñó Monet "en plein air" técnicas (al aire libre) para la pintura.

Título:	Impresion, sol naciente.
Pintado por:	Claude oscar Monet.
Ubicación:	Colección privada
Orientación:	Paisaje

 Otros artistas importantes: Berthe Morisot, Camille Pisarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley.

Joseph Mallord William Turner- El Romanticismo.

El Romanticismo subraya la diferencia entre los hombres y concibe que pueda hacer mas caso de su corazón que de su cabeza. Individualismo.
El Romanticismo fue un movimiento que afecto en todos los aspectos de la vida y el pensamiento humano. Fue particularmente intenso en las artes, no solo en la literatura, también en la pintura y la música.
 En la pintura se centra en paisajes y apenas aparecen retratos como en épocas anteriores; la luz y el color forman la atmosfera.

Turner nació en Londres en 1775, fue maestro de la acuarela lo que sugería un ambiente inacabado lo que el espectador puede complementar e imaginar. Se interesó más por los efectos de luz, agua, niebla y fuego.

Desde sus inicios sus paisajes son plenamente románticos, Turner viaja por varias ciudades tomando apuntes y creando paisajes. Turner viajo a Roma después de presentar “Aníbal cruzando los Alpes” después viajaría a Italia y de regreso Inglaterra observando cada uno de los paisajes.

Turner volvió a viajar a Italia en 1828, realizando numerosos bocetos al aire libre, que tendrían su reflejo en un cuadro sensacional pintado a su regreso a Inglaterra al año siguiente: el Ulises mofándose de Polifemo - odisea de Homero (1829, Londres, Tate Gallery) fue descrito por Ruskin como "el cuadro central de la carrera de Turner", y -en cierto modo- la descripción puede resultar muy válida. En efecto, en el " Ulises" , el tema mitológico (según Homero, Ulises derrotó al Polifemo -un cíclope- arrancándole su único ojo gigante con un palo ardiente) resulta ser poco más que una excusa para representar la grandiosidad de la fuerza de la naturaleza. El cuadro sorprende por sus brillantes colores, y recibió críticas desiguales en la exposición de la Royal Academy de 1829.

Audaz y técnicamente perfecto, el cuadro de Turner es una visión insólita de los protagonistas del mar: en vez de mostrar un glorioso navío en su máximo esplendor y plenitud (como haría, por ejemplo, el americano Fitz Hugh Lane) Turner rinde homenaje al valiente Temerarie narrando su último capítulo, su viaje previo al desguace. El sol poniente y la luna creciente son elementos claramente simbólicos, marcando el fin de un era. A destacar que la pintura fue escogida como la mejor de Inglaterra en una encuesta llevada a cabo por la National Gallery de Londres en el año 2005. Ciertamente, pocas obras de Turner resisten comparación con ella. De las pocas que se podrían sugerir, destacamos la poética " Paz - exequias en el mar" (1842, Londres, Tate Gallery), dedicado a la memoria del pintor y rival de Turner Sir David Wilkie.

Si el " Ulises se burla de Polifemo " era el "cuadro central" de la carrera de Turner, la culminación lo es sin duda el " Lluvia, vapor y velocidad" (1844, Londres, National Gallery)
El cuadro es una sensacional conclusión a las investigaciones de Turner sobre la luz y la atmósfera, llevadas a cabo durante su época de profesor en la Royal Academy. Durante esta época, Turner tomó contacto con las teorías de la luz y el color de Newton y Goethe. En la pintura de la National Gallery , el auténtico protagonista, por encima incluso de la dinámica locomotora, es la cambiante atmósfera inglesa, acrecentada por el vapor que desprende la poderosa maquinaria. La crítica -y posteriormente los pintores impresionistas- quedaron impactados por esta veloz locomotora. Un crítico escribió, durante su exposición en 1844: " un tren se te echa encima, un tren que avanza realmente a 50 millas por hora y que el lector haría bien en ir a ver antes de que salga del cuadro"

Théodore Géricault.

Obtuvo gran éxito en el salón de Paris en 1812 con el oficial de la guardia imperial.

Representa un soldado de la guardia, sobre un caballo encabritado con una silla de piel de leopardo que se descubre con una furia, en ademan de ataque.

El coracero herido expuesto en el salón en 1814.

Representa el fin de la sobrehumana serie de victorias napoleónicas con un color sobrio, usando claro obscuro, el caballo inquieto y jadeante, el soldado herido apoyado del sable mirando hacia la batalla.

En otoño de 1816, Gericault fue a Roma, obtuvo influencia de Miguel Ángel y fue uno de los artistas que se interesó de nuevo por la anatomía humana esencial para aprender la estructura del cuerpo. Para Gericault Miguel Ángel de la capilla Sixtina, sobre todo el juicio final influencio sobre su obra más importante la balsa de "la medusa".

El gran interés por caravaggio se reflejó en la obra, empleo su tratamiento profundo y honesto del desnudo, empleo de las sobras negras.

En la balsa de la medusa, la fragata oficial con destino a Senegal, se hizo una balsa para que los botes salvavidas remolcaran, pero por  alguna razón los marineros cortaron los cables del remolque y la balsa, con ciento cincuenta personas, quedaron a merced del mar. Se produjeron escenas terribles: los marineros se rebelaron contra los oficiales, vencidos por el hambre y la sed, aquellos hombres enloquecidos lucharon entre sí de manera brutal, hasta que después de doce días en el mar los sobrevivientes fueron rescatados.

En los hospitales estudio a los enfermos moribundos, viajo a la costa donde tomo apuntes de luz y forma de las nubes e hizo construir una balsa para observar el movimiento de las olas.

Cuando la obra fue expuesta en el salón de 1819, no hayo reconocimiento, tan solo una mención honorifica, enojado decidió aceptar una propuesta inglesa y viajo a Inglaterra donde hizo el estudio del movimiento de los caballos, al captarlo hace "La carrera de los caballos Epson" la captación de lo veloz y efímero.

Géricault vivía en grande y por ultimo al saltar una valla se lastimo la columna, al no cuidarse se le produce un absceso y muere a los treinta y tres años.

Barroco- Peter Paul Rubens.

BREVE HISTORIA DE  PETER PAUL RUBENS.

Tambien conocido como Pedro Pablo Rubens, es uno de los grandes pintores flamencos del barroco del siglo XVII. Nacio en Seigen, Alemania el 28 de junio de 1577.

Su primer aprendizaje artistico fue hacia 1591 con Tobias Verhaecht, un pintor flamenco de paisajes. Despues se formo en el taller de Adam Van Noort y en el de Otto Van Veen. Todos ellso eran puntores flamencos menores, influidos por el manierismo del siglo XVI de la escuela florentino- romana.

En 1598, a los 21 años concluye su formacion superando el examen del maestro ante la Guilda de San Lucas de Amberes y viaja a Italia para ampliar su formacion artistica estudiando las obras del Renacimineto.  Ahi conocio a un noble que le recomendo trabajar en la corte del duque de Mantua, Vincienzo Gonzaga, quien lo contrato durante un periodo de nueve años.

 Fue considerado en pintor mas importante de Flandes, la fama de Ribens se extendio por todas las cortes europeas y recibió tantos encargos que tuvo que crear en su casa un gran taller, en el que solo realizaba el boceto inicial y los toques finales, mientras que sus aprendices se encargaban de las fases intermedias.

Estuvo al servicio de Felipe IV, quien le nombró secretario de su Consejo Privado y fue mentor del joven pintor español Diego Velázquez. Finalmente, falleció el 30 de Mayo de 1640 en su casa de Amberes, a punto de cumplir los 63 años.

OBRAS PRINCIPALES DE RUBENS

El rapto de las hijas de Leucipo (1616) Rubens realizó este lienzo durante los primeros años de su trayectoria artística. Se sitúa en la transición entre el clasicismo y el barroco. Mientras la composición es clásica y equilibrada, el sentido de movimiento y dinamismo son característicos del barroco.

Las tres Gracias (1638)
Aunque la obra mantiene la composición del artista italiano, Rubens cambia la relación entre las tres figuras conectándolas psicológicamente entre sí a través de los brazos, el velo y sus miradas. Sobre el paisaje de fondo se sitúan las tres mujeres, estando la de en medio de espaldas, con la cabeza vuelta y apoyada en sus compañeras.
En la actualidad el cuadro se conserva en el Museo del Prado de Madrid. Se piensa que una de las figuras es la representación de su segunda mujer, Elena Fourment.

El jardín del Amor (1630-1638)
Conocida también como El jardín de las Gracias, representa una fiesta en un parque. Las figuras, unas sentadas y otras de pie, aparecen en actitud relajada, próximas a una fuente dedicada a la diosa Juno, protectora del matrimonio. Alrededor de la escena revolotean los putti disparando flechas.
Se ha dicho que con este cuadro Rubens hace un homenaje a su esposa Elena Fourment, con la que se casó en 1630. Incluso algunos críticos opinan que el caballero de la izquierda es un autorretrato del autor y la dama que apoya su brazo sobre otra dama, en la parte central, es Elena Fourment.

Saturno devorando a sus hijos (1636-37)
Es uno de sus temas más dramáticos. Saturno era uno de los titanes más poderosos y pensaba que la mejor manera de evitar que uno de sus hijos le destronase, era devorándolo al nacer. Será Zeus, su sexto hijo, el que consiga derrocarlo al ser salvado por su madre.
Saturno aparece aquí desgarrando el pecho de uno de sus pequeños. La escena es de gran dramatismo, conseguida gracias al uso de la luz y al color, que se inspira en la escuela veneciana.

El Juicio de Paris (1638)
La rivalidad existente entre las diosas Minerva, Venus y Juno por ser la más bella, tenía que ser resuelta por Paris, que entregaría una manzana de oro con la inscripción "a la más bella", a la diosa más bella.
Rubens plasma el momento en el que Paris, hijo de Príamo, rey de Troya, toma la manzana que le da Mercurio, mientras que las tres diosas intentan convencerle con diferentes ofrecimientos.

La elegida fue Venus, que consiguió convencerle entregándole la mujer más hermosa del mundo, Helena (la esposa de Menéalo), provocando así la Guerra de Troya.
Otras obras famosas son El Descendimiento de la cruz, Los cuatro filósofos, el Triunfo de la Iglesia, Danza de aldeanos o El desembarco de María de Médicis en el puerto de Marsella.

En lo personal una de las obras que mas me impacto fue saturno devorando a sus hijos porque refleja ese dramatismo en el rostro del hijo que es lo que mas impacta en la obra a mi parecer y el rapto de las hijas de Leucipo refleja el movimiento en la obra una de las cosas que lo definen como arte barroco y una cosa que destaca mas a rubens es como juega con el color, las luces y sombras.

LA ESCUELA DE ATENAS.

RAFAEL SANZIO

TECNICA:

Pintura al fresco (sobre la pared)  Vaticano, Roma. (1509-1510).

TEMA:

 Se representa una escena del mundo clásico idealizada y su relación con la filosofía, la teología, la poesía y el derecho. Por ello, Rafael une en el mismo espacio a todos los filósofos clásicos, poniendo en su centro a Platón y Aristóteles. Además de ellos aparecen Heráclito, Euclides, Alciábades, Diógenes, Protágoras... Gran parte de esas figuras clásicas son representadas a través de retratos de sus contemporáneos (Miguel Ángel, Leonardo…)

COMPOSICION SIMETRICA:

 Con un gran eje axial que, pasando entre Platón y Aristóteles, divide en dos partes el cuadro. A cada lado de él aparecen los grupos compensados.

PERSPECTIVA LINEAL:

  Creada a través de la arquitectura que nos conduce al punto de fuga central (encima de las cabezas de los dos filósofos) que vuelve a insistir en la idea de simetría y armonía.

 PERSONAJES:

1: Zenón de Citio o Zenón de Elea – 2: Epicuro – 3: Federico II Gonzaga – 4: Boecio o Anaximandro o Empédocles – 5: Averroes – 6: Pitágoras – 7: Alcibíades o Alejandro Magno – 8: Antístenes o Jenofonte – 9: Hipatia (pintada como Margherita o el joven Francesco Maria della Rovere) – 10: Esquines o Jenofonte – 11:Parménides – 12: Sócrates – 13: Heráclito (pintado como Miguel Ángel) – 14: Platón sosteniendo el Timeo (pintado como Leonardo da Vinci) – 15: Aristóteles sosteniendo la Ética – 16: Diógenes de Sinope – 17: Plotino – 18: Euclides o Arquímedes junto a un grupo de estudiantes (pintado como Bramante) – 19: Estrabón o Zoroastro? – 20: Claudio Ptolomeo – R: Apeles como Rafael – 21: Protógenes como El Sodoma.  

Dos estatuas que representan: Apolo dios de la razón y atenea diosa de la sabiduría, Platón con el dedo levantado hacia el mundo de las ideas y el tineo bajo el brazo, Aristóteles con la mano dirigida hacia la tierra y sostiene la ética con la otra mano.  Pitágoras con la matemática, la razón del universo y su teorema. Heráclito decía que todo estaba en constante movimiento por ello dice que por ello nunca podremos bañarnos dos veces en el mismo rio. Parménides sostenía un planteamiento opuesto y así sucesivamente, les dejo el enlace del video donde explica cada uno de estos.  

http://www.youtube.com/watch?v=AjuXah8ckmc

En mi opinión Rafael usaba todo su conocimiento para expresar esta obra, el aplicaba colores cálidos y fríos pero mantenía una armonía entre ellos, marca un claro-obscuro sutilmente para resaltar a los personajes. Utiliza la geometría y la perspectiva a su favor poniendo en punto clave a los personajes y utilizando simbolismos que definen a cada uno de los personajes.